Kategorie: conceptual design

ephemer – der anfang im ende

Konsum-, Wegwerf- und Überflussgesellschaft können als Begriffe verstanden werden, die die Herausforderungen der Gegenwart adressieren. Produkte werden immer schneller ersetzt – trotzdem bestehen viele aus langlebigen Materialien. Dabei wird die Beziehung zu den Produkten geschwächt. Die ephemere Produktgestaltung und Integration der Vergänglichkeit im Entwurfsprozess kann hier als Potenzial verstanden werden. Die Arbeit lädt dazu ein, Vorstellungen von Beständigkeit, Qualität und Wert zu hinterfragen.

Das Deodorant ist auf einen vollständigen Verbrauch ausgerichtet, primär in langlebigen Materialien verpackt und der Konsum steigt. Der Entwurf besteht aus Naturkautschuk und einem Konjacwurzelschwamm – die Materialien altern natürlich, fördern Resonanz und lassen sich separat entsorgen. Der Couchtisch sowie die Leuchte sind weitere Anwendungsbeispiele. Hergestellt aus Strohplatten ermöglichen sie eine natürliche Alterung und die Fähigkeit, die Geschichte des eigenen Nutzens zu erzählen.

INSIDE OUT – Empowerment-Kampagne zu Neurodermitis

Neurodermitis ist die häufigste chronische Hauterkrankung in Deutschland. Aufgekratzte, gerötete und schuppige Hautstellen prägen das Hautbild von Menschen mit Neurodermitis. Sowohl das sichtbare Hautbild, als auch das unsichtbare schwer erträgliche Hautempfinden, wie der extreme Juckreiz, kann Betroffene mental massiv belasten und zu einer erheblichen Einschränkung der Lebensqualität führen.

INSIDE OUT kehrt die unsichtbaren Belastungen von Neurodermitis nach außen. Das Empfinden eines akuten Schubs, das Jucken, Brennen und Spannen der Haut, wird in Form von feinen Mustern sichtbar.

Die Shirts, als auch Plakate und Social Media, verweisen auf eine Website, welche Informationen zu Neurodermitis nahbar, übersichtlich und zielgerichtet für Betroffene und Nicht-Betroffene vermittelt.

Die Kampagne soll Betroffene im Umgang mit Neurodermitis empowern und öffentliches Bewusstsein schaffen.

Zwischen Wahrnehmung und Imagination: Spiegelphänomene in der ästhetischen Erfahrung

Diese Masterarbeit untersucht Spiegelphänomene aus ästhetischer, kulturtheoretischer und gestalterischer Perspektive. Der Spiegel wird dabei nicht nur als optisches Objekt, sondern als Medium verstanden, das zwischen Realität und Imagination vermittelt. Im Fokus steht das Spannungsverhältnis von Wahrnehmung und Vorstellungskraft, von Sichtbarem und Symbolischem. Spiegelbilder erscheinen nicht als neutrale Reflexionen, sondern als Projektionsflächen subjektiver Deutungen, geprägt von Erinnerung, Erfahrung und Erwartung. Die Arbeit stützt sich theoretisch auf kultur- und kunsthistorische, philosophische sowie psychologische Ansätze.

Im gestalterischen Teil werden die Erkenntnisse in den Entwurf einer Stehleuchte übertragen. Durch spiegelnde und durchlässige Elemente entstehen visuelle Zwischenzustände, die Wahrnehmungsmuster auflösen und neue Raumerfahrungen ermöglichen.

Ziel ist es, einen Möglichkeitsraum zu schaffen, in dem Wahrnehmung, Raum und Imagination neu erfahrbar werden.

MENSCH UND DING. Gestaltung im Dazwischen

Warum behalten wir Dinge, die keinen messbaren Nutzen haben? Weil Sinn oft jenseits von Funktion und Materialwert entsteht. Objekte, die uns langfristig begleiten, werden zu materiellen Speichern für Beziehungen, Erinnerungen und wiederkehrende Handlungen.

Auf Basis eines offenen Archivs unterschiedlicher Objektbiografien untersucht die Arbeit diese alltägliche Form der Sinnproduktion. In einem Prozess der schrittweisen Dekonstruktion werden die Ursprungsformen systematisch zerlegt und ihren funktionalen wie symbolischen Typologien entzogen. Diese gestalterische Transformation übersetzt unbewusste Alltagsgesten in neue, abstrakte Formangebote.

Das Ergebnis umfasst physische Objekte. Als liminale Artefakte entziehen sie sich jeder eindeutigen Zuschreibung – ihre Bedeutung erschließt sich erst im Dazwischen der Interaktion. Gestaltung wird hier zur Praxis des Sichtbarmachens: Sinn entsteht im Vollzug der Beziehung zwischen Mensch und Ding.

Forest Tales

Forest Tales untersucht dokumentarisch und objekthaft unterschiedliche Perspektiven auf den Wald. Im Fokus stehen alternative Formen der Waldnutzung, die über die herkömmliche, holzfokussierte Bewirtschaftung hinausgehen und das Potenzial einer diversifizierten Nutzung aufzeigen. Anhand von Nichtholzprodukten wie Wildbret und Zeidlerei erforscht das Projekt die sozialen, kulturellen und ökologischen Beziehungen, die den Wald prägen. Die daraus hervorgehenden Lebensmittel werden als Ausdruck kultureller Praxis und als Träger ökologischen Wissens verstanden.

Recherchereisen und Interviews mit Expert*innen bilden die Grundlage für die Entwicklung eines Räucherofens und einer Klotzbeute. Die Objekte übersetzen die gewonnenen Erkenntnisse in erfahrbare Situationen und machen Praktiken sichtbar, die häufig verborgen bleiben. Sichtbarmachung wird dabei zum gestalterischen Prinzip.

Knock Three Times

Knock Three Times untersucht, wie sich Aberglaube und alltägliche Rituale in eine visuelle Sprache übersetzen lassen. Ausgangspunkt des Projekts ist die Frage, wie immaterielle Vorstellungen sichtbar gemacht und gestaltet werden können. Daraus entstanden zwei komplementäre Bildwelten: schwarz-weiße fotografische Collagen, die als „Anleitungen“ die Logik und Regeln einzelner Bräuche vermitteln, sowie farbige atmosphärische Fotografien, die deren emotionale und magische Dimension erfahrbar machen.

Das Projekt umfasst neben der fotografischen Arbeit auch die Gestaltung eines Ausstellungsraums, eines Faltplakats als Katalog sowie eines Fragebogens zur aktiven Einbindung des Publikums. Die seriell gehängten Schwarz-Weiß-Arbeiten betonen den regelhaften Charakter der Rituale, während unterschiedlich formatierte Farbfotografien den Raum verdichten. So entsteht ein Gestaltungssystem, das kulturelle Praktiken, räumliche Inszenierung und Publikumsinteraktion miteinander verbindet.

Wenn viel zu viel zu viel ist

“Wenn viel zu viel zu viel ist” entstand aus der Beobachtung unserer Gegenwart, in der alles gleichzeitig passiert. Das Projekt setzt sich mit dem Gefühl auseinander, dass die Welt dichter wird, als wir sie verarbeiten können, und fragt, wie Gestaltung einen Zustand sichtbar machen kann, der oft eher gefühlt als benannt wird.

Entstanden ist ein experimentelles Buch, das sich dem „Zuviel“ aus emotionaler, gesellschaftlicher, politischer und körperlicher Perspektive nähert. Mithilfe von Typografie, Hochdruck und materieller Gestaltung werden verschiedene Formen der Überfülle erforscht und zwischen Verdichtung und Leere, Reiz und Ruhe sowie Festhalten und Loslassen übersetzt.

So wird das „Zuviel“ nicht nur beschrieben, sondern physisch und visuell erlebbar gemacht.

BildungsLücke

Leerstehende Kaufhäuser stehen exemplarisch für das Sterben der Innenstädte. Zugleich mangelt es in einer Gesellschaft, die von zunehmender Vereinzelung geprägt ist, an Orten, die ohne ökonomische Verwertungszwänge Austausch ermöglichen. Konfrontiert mit den Herausforderungen der Digitalisierung gilt es Medienkompetenz zu stärken, sowie der klassischen Bildung zentralen Raum zu geben. Bibliotheken bieten in ihrer Vermittlungsrolle bereits die passende Infrastruktur. Allerdings sollten sie nicht als stille Orte der Ausleihe, sondern als offene, hybride Wissensnetzwerke gedacht werden.

Die BildungsLücke transformiert das leerstehende Galeria-Gebäude in einen offenen Bildungs- und Begegnungsort. Die Stadtbibliothek und das MKZ Sachsen-Anhalt ziehen in das ehemalige Kaufhaus ein und schaffen einen niedrigschwelligen Raum für gesellschaftlichen Austausch. Durch den Bestand bahnt sich eine 9-Meter-Stadtfuge, die verbindet: Stadtraum, Innen und Außen und besonders: Menschen untereinander.

black aesthetics: decentering white aesthetics

Black Aesthetics im Design sichtbar zu machen bedeutet, bestehende Machtstrukturen kritisch zu hinterfragen und neue Perspektiven zu eröffnen. Der westliche Designkanon ist geprägt von eurozentrischen, modernistischen und minimalistischen Normen, die oft alles ausschließen, was außerhalb dieses Rahmens existiert. Doch Design ist nicht universell – es ist geprägt von Kultur, Geschlecht, Umwelt und ‚Race‘. In meinem Projekt verfolgte ich einen dekolonialen, pluralistischen Ansatz: Ich arbeitete autoethnografisch, mit eigenen Erfahrungen und Positionierungen als Erkenntnisquelle und paarte dies mit einer Archivrecherche zu schwarzen Designer*innen und Künstler*innen als Referenzbibliothek.

Die gewonnenen Erkenntnisse wurden in einer Publikation wissenschaftlich aufgearbeitet. Begleitet wird diese von einer Serie von Aluminium-Hockern namens Y3N, deren collagierte Oberflächen im Laserverfahren individuell bearbeitet wurden und jeweils eine eigene visuelle Sprache tragen.

FluidNest – Flüssigkeitsinkubator für Frühgeborene

FluidNest ist ein visionäres Konzept eines Flüssigkeitsinkubators für extrem frühgeborene Kinder in der 22. bis 24. Schwangerschaftswoche. In diesem Zeitraum befinden sie sich an der Grenze der Lebensfähigkeit: Selbst mit moderner neonatologischer Versorgung bleiben Sterblichkeit und das Risiko schwerer Beeinträchtigungen hoch. FluidNest schlägt eine sterile Flüssigkeitsumgebung vor, in der das Kind über künstliche Plazenta versorgt und vor Licht, Austrocknung und mechanischem Stress geschützt wird, während Lunge und Organe reifen.

Der Designprozess konzentrierte sich auf Routinen nach der Geburt, Pflege, Notfälle und den Kontakt zwischen Eltern und Kind. Daraus entstanden zentrale Elemente: dunkle Patientenkapsel, weiche Silikontasche für das Kind, Interfaces für Personal und Eltern, mobiles Fahrstativ und Manipulatorarm.

Das Projekt untersucht, wie zukünftige Medizintechnik in den Klinikalltag integriert werden kann, ohne Vertrauen und Sicherheit aus dem Blick zu verlieren.